Yves Heurté, décédé en février 2006, était un écrivain prolixe qui a écrit dans tous les domaines : poésie, théâtre, romans, nouvelles et l'on trouve ses œuvres chez de multiples éditeurs, Gallimard, le Seuil, Milan, Castermann, Rougerie, etc. Le personnage, lui aussi, - médecin de montagne, humaniste engagé, voyageur et grand marcheur- était trés attachant. Je reprends ici quelques-uns des articles que j'avais publiés le concernant. En espérant qu'ils inciteront à le lire. Il le mérite amplement 

Son premier livre fut un traité de self-défense, écrit à 18 ans, alors qu'il était objecteur de conscience (ce qui ne l'empêcha pas d'ailleurs d'obtenir la Croix de guerre après s'être engagé dans les brancardiers...) On l'aura compris, cet auteur-là n'avait rien de l'écrivain enfermé dans sa tour d'ivoire ! Il l'affirmait sans ambages : « Je suis fondamentalement un lyrique. Mais mon lyrisme est tourné vers les gens, non vers moi-même ». Un livre comme Voccero, long poème-cri d'une mère penchée sur la dépouille de son fils, démontre d'ailleurs avec force sa capacité à s'incarner en l'autre.

 Mais revenons à Cierp, ce village proche de Saint-Béat et de Luchon, qu'il avait élu avec sa femme Madeleine, il y plus de cinquante ans. « Par souci écologique », disait-il laconiquement. Brièveté d'un pudique, qui dissimulait mal une grande passion pour la montagne et, notamment, les Pyrénées. Pour aller chez lui, on suivait la Pique, le torrent qui dévale de pierre en pierre a travers le village : il passe au fond de sa propriété. Sur le portail d'une belle demeure du XVII' siècle, une plaque  « Yves Heurté, médecine générale ».

 Car cet auteur-là fut aussi médecin de campagne à Cierp et dans la trentaine de communes des environs. Pendant presque quarante ans ! Certaines de ses visites, il les a faites à ski. Avec l'obligation parfois de dormir chez les patients, quand la neige bloquait les routes. On comprend qu'il ait pu affirmer : « Mon métier tire vers le social et mes thèmes, je les ai pris dans le quotidien des gens. C'est une source profonde d'inspiration ». Cette expérience, il l'a relatée à travers les beaux portraits de son livre, Gens de montagne.

 La seconde de ses passion fut la marche. Ce Breton de pure souche, né en Champagne, grandi à Nantes, dans les Landes puis à Bordeaux, est allé attraper Dieu sait où le virus des sommets. Et il n'a pas cherché l'antidote. A tel point qu'il a passé son diplôme d'aspi­rant-guide de montagne - « un métier que j'aurais fait s'il n'y avait pas eu la médecine », avouait-il.

 Ce virus, il l'a repassé à ses voisins, ses amis, qu'il a entraînés sur les flancs des Pyrénées et des Alpes. Accompagné de Madeleine, il part au Tibet. Avec sac à dos et porteurs, il s'embarque pour des semaines dans des marches à la Lanzman. Pour le « dépaysement philosophique », mais aussi, disait-il, parce que « marcher c'est aller au devant des gens. Les Tibétains sont encore plus passionnants que le Ti­bet ».

 Et la littérature, dans tout ça ? On vient d'en traverser l'essentiel, la source d'inspiration, Le puits « heur­tésien».
Mais pour en percevoir la tonalité et peut-être l'enjeu, revenons à la marche : « La fatigue physique amène ce qui est nécessaire à la poésie. Fourbu, on retourne à l'essentiel, à une certaine innocence... » Voilà l'auteur !

 S'il a commencé par écrire des pièces après guerre, c est par un roman qu'il a vraiment débuté dans sa troisième passion (troisième, sans compter Made­leine, ses cinq enfants et celles que j'oublie comme la sculpture, la flûte et le jardinage).

« Le jour de mes 30 ans, j'ai réalisé que la médecine me dévorait et j'ai décidé de reprendre la plume ». Et ce sera La Nuque Raide, roman populiste sur les réfugiés espa­gnols irrédentistes du Val d'Aran, qui ne paraîtra qu'en 1975. Entre-temps, Galli­mard aura publié La Ruche en feu, et sa première pièce, La nuit, les clowns aura été montée à l'Odéon.

Depuis, les livres se sont succédé, romans, récits, livres pour la jeunesse, recueils de poésie, contes et une vingtaine de pièces de théâtre, le rythme s'accélérant avec la retraite ! Mais l'inspira­tion était restée la même, puisée à deux grandes sources : le réalisme d'un côté, le sym­bolisme poétique de l'autre. Et en sautant d'un genre à l'autre, comme sur les pierres d'un torrent de l'Hi­malaya : « Quand j'ai fini une pièce, il faut que je passe au roman puis à la poésie... »

A croire qu'il prenait la plume comme le stéthoscope ou les chaussures de marche !

Michel Baglin 

Quelques-uns de ses livres

 
Vous, gens de montagne
Auteur de nouvelles, de contes et de romans (chez Gallimard et au Seuil), poète (cinq recueils chez Rougerie), Yves Heurté a aussi beaucoup écrit pour le théâtre. Il nous a  livré à travers des récits brefs, historiettes et souvenirs, des bribes autobiographiques. Tel fut le cas avec son  Journal de nuit  (éditions Alain Sutton) où il racontait Bordeaux sous l'Occupation et son adolescence. Il a récidivé avec Vous, gens de montagne, qui fait se succéder anecdotes et portraits sous une plume vive et souvent malicieuse.
Les « gens » dont il s'agit, Heurté les connaissait bien : cet auteur-là fut aussi médecin de campagne - pardon : de montagne - à Cierp, village proche de Saint-Béat et du val d'Aran, et dans les communes des environs. Pendant presque quarante ans !. Mais si on reconnaît ici l'écriture et les thèmes de l'auteur de fictions, Yves Heurté en redonnant vie à ses souvenirs n'a pas sacrifié à l'égotisme : il n'avait pas entrepris ses mémoires, mais ressuscité les femmes et les hommes qu'il a croisés à travers des histoires tragiques ou cocasses. « Dépassant souvent tout ce que romancier j'aurais eu peine à imaginer », confait-il.

Ce sont eux, leurs regards, leurs approches de la vie et leurs paroles qui donnent sens à ces pages. Les gens simples qu'il a soignés, écoutés, qui l'ont ému souvent et dont il a parfois beaucoup appris, sont ancrés moins dans un terroir que dans un espace un peu à part, celui de la montagne. Un espace qu'Heurté chérissait tout particulièrement. Car une autre de ses passions fut la marc­he. Il a aussi couru la montagne au devant de malades qui étaient les témoins d'une époque aujourd'hui quasi révolue : celle des bergers solitaires dans leurs cabanes sur les estives, des réfugiés espagnols qui avaient beaucoup à dire après avoir beaucoup donné... Mais ce qui reste d'actualité est ce qui fait le fonds de tous ces portraits, de toutes ces passions d'homme, de toutes ces histoires : le désarrois des êtres devant la maladie, les misères, la mort, et le pathétique de tout ce qu'ils inventent pour tenir bon, et tenir debout jusqu'à la fin.

Yves Heurté, qui savait le suggérer sans appuyer, avec une vraie compassion dissimulée sous l'humour, a sans doute écrit là un de ses meilleurs livres.

 (Éditions De Borée. 270 pages. 18 euros)

Le Pas du loup

Après le volume, Vous, gens de montagne paru en 2004 un second, Le Pas du loup, posthume donc, fut publié par L'Ecir. On y retrouve, sous une plume vive et souvent malicieuse, les anecdotes et portraits qu'il a rapportés de près de 40 ans de pratique de la médecine de montagne.

 Du vieux qui meurt de rire aux chasseurs de palombes partis en goguette, des histoires de colporteurs et de contrebandiers à celle du vieillard et de son âne privés de leur source, des histoires d'amour aussi émouvantes que sa "Lettre de Lucia" (un aveugle traverse à pied les Pyrénées pour saluer avant sa mort la femme qu'il a aimée jadis) jusqu'au dernier texte où l'écrivain se met en scène avec humour, on navigue ici du tragique au burlesque, du réalisme des "choses vues" au merveilleux de la parabole, à la limite parfois du fantastique. Mais toujours avec beaucoup de tendresse pour des personnages à la fois ordinaires et singuliers. Et une passion non dissimulée pour les Pyrénées, qu'Heurté célèbre ici.

(294 pages. 18_€. Editions L'Ecir.

158 av. Léon-Blum. 63000 Clermont-Ferrand)

 
Mémoire du mal 
 Le dernier recueil d'Yves Heurté, Mémoire du mal, fut publié en édition bilingue français-allemand par Rüdiger Fisher (également traducteur) aux éditions En Forêt (Verlag In Wald. Doenning 6. D93485 Rimbach. Allemagne).

Ce mal dont parle Heurté, même s'il a parfois des tonalités métaphysiques, est d'abord social et politique et renvoie aux charniers laissés par notre siècle finissant : « Notre nuit se partage / avec le couteau rouge / et flamboyant des guerres.» Y passent les ombres des martyrs des camps, des indiens victimes du génocide, des foules de chômeurs et de laissés pour compte de l'Occident « au seuil de sa nouvelle nuit ».

Poèmes sombres, bien sûr, pour ne pas oublier et ne pas refuser de voir aujourd'hui encore les épurations, les déportations et leur train, ils militent contre l'oubli et l'engourdissement : « O chers bons citoyens / consommateurs de riens, / passionnés d'inutile, / prenez garde qu'un jour / vous ne fassiez vous-mêmes / une ombre dans leurs trains.»

Poèmes qui opposent aussi l'homme à ses abstractions souvent meurtrières, car « le chanteur est plus grand / que le pays qu'il chante, / les amoureux que leurs amours.» Le poète, lui, n'a pas la tâche facile: « poètes à bout d'ailes / poètes à bout de mots / à bout de millénaire / nous reste à déchiffrer / un monde qui s'en fiche!»

(96 pages.)

 Leçon de Ténèbres, une course poursuite sur le toit du monde

 Yves Heurté connaissait bien le Tibet et c'est sur les hauts plateaux qu'il avait choisi d'entraîner son lecteur pour son troisième roman - et malgré un décor parfaitement planté dans sa « couleur locale », Il s'est éloigné du réalisme de ses précédents romans pour explorer l'âme du Tibet, ce pays où, dit-on, « une vérité qui change de plateau devient une histoire et, quand elle passe au désert, une légende. »

 Son livre en a d'ailleurs l'allure, avec ce que la légende suppose de métaphysique et ce qu'une fable implique quant à sa construction : une histoire tout entière tendue vers sa conclusion (qui, ici, surprendra).

 Tarki, le paysan, découvre sa fillette noyée dans un trou d'eau. On soupçonne vite Aïla, le moine borgne parti du village le matin même, de l'avoir tuée. Ivre de vengeance, Tarki se lance sur ses traces, une poignée de cheveux de sa fille dans sa besace. Commence alors une fabuleuse traque à travers le Tibet, les vallées, les villages et les déserts. Elle durera trente ans ! Le temps pour la haine de devenir mystique et pour la course-poursuite de se métamorphoser en quête.

Pour les deux hommes, qui passent par les mêmes épreuves, comme par les mêmes chemins, cette marche forcenée de trente années délivre sa  « leçon » : le sens de leur vie s'est tout entier ramassé dans cette errance illuminée sur le toit du monde. Et quand Tarki rejoint finalement le moine, quand Aïla se laisse tuer, le vertige du vide saisit le chasseur, la fable se conclut par un retournement qui jette à nouveau Tarki sur les chemins de l'errance, dans la fuite.

 Magistralement conduite par un auteur qui a le sens du tragique (les poèmes de Voccero comme son théâtre en témoignent), cette histoire sait aussi ménager de constants glissement entre le réalisme et la parabole - un aspect de l'art d'Yves Heurté, déjà sensible dans ses recueils de contes, mais qui trouve ici son accomplissement.

 Le Phare de la Vieille

Yves Heurté a écrit également pour les jeunes. Après Le Passage du gitan (Gallimard), il a publié au Seuil-Jeunesse un roman d'aventures, Le Phare de la Vieille. Et après le Tibet des Chevaux de vent (Milan), l'écrivain-voyageur de Saint-Béat a emporté ses lecteurs sur les îles désolées de la Baltique, à la suite d'un journaliste en mal d'écriture, fasciné par les récits d'un vieux marin.

Son personnage est typé comme ceux d'un roman de Stevenson. De même sa femme, Fausta, au projet en effet diabolique de s'assurer, par une abondante correspondance avec les vieilles de la planète, un pouvoir sur le monde - et cela depuis le phare-refuge d'une île ravagée par la tempête. Goetz, le marin ivrogne et à demi fou, secrètement amoureux de Pili, la jeune écologiste, prétend contrecarrer les plans de sa terrible épouse, mais entraînera le journaliste dans sa propre démence au terme d'une histoire aux allures de fable. La mort, l'amour, l'âge, une violence sourde rôdent autour du phare de la Vieille, dans un roman auquel ne manquent aucun des ingrédients qui font voyager sous la lampe, dans le souffle des embruns et des légendes.

(Yves Heurté "Le Phare de la Vieille" Seuil-jeunesse 144p. 59F)

Au Bois sauvage
Autre roman pour la jeunesse : Au bois sauvage. Titou, le héros espiègle de ce recueil d'aventures quotidiennes et malicieuses, n'a pas plus froid aux yeux qu'il n'a la langue dans sa poche : il observe le monde et sait y placer son mot quand il faut. Il a surtout soif d'apprendre... la vie, et ne se prive pas de jouir de sa liberté dans une école (plutôt buissonnière) où les heures de classe dépendent du laitier, de la pluie, du vent ou de la sortie des premiers cèpes. De maraudes en apprentissage de la pêche, d'amitiés en petits deuils, de sous-bois complices en bords de rivière lumineux, c'est toute une enfance campagnarde qui s'offre aux jeunes lecteurs citadins. Une enfance révolue aussi car, on l'aura compris, la nostalgie irrigue secrètement toutes ces scènes du bonheur de vivre.  

(Editions Sédrap. 192 pages.)

Un entretien avec Yves Heurté
Le poète, "un sauveur sans illusion"
Je ne tutoyais pas encore celui qui allait devenir un ami quand j'ai réalisé cet entretien avec Yves Heurté en 1985, pour le publier dans le numéro 23 de Texture (hiver-printemps 1986) que je lui ai consacré.

Roman, théâtre, poésie, nouvelle : vous avez touché à tout. Par quoi avez-vous commencé ?

Mon « art » a commencé en sifflant les merles dans les Landes. Puis j'ai soufflé dans une flûte traversière jusqu'au prix du conservatoire. J'ai dirigé des chorales et enfin joué en orchestre. Le tout sans écrire. C'est alors qu'une bande de copains m'a désigné comme écrivain patenté de la troupe. Adieu la musique, bonjour le suite... Mais en fait, du plus loin que je me souvienne, mon contact avec le monde fut poétique: un désir d'harmonie par le jeu. J'ai peu usé de la forme dite « poétique » ; j'avais trop besoin de « l'autre ». Le genre que je choisissais devait donc être public : romans et surtout théâtre. Je n'avais de ce fait presque aucun rapport avec les poètes à poèmes, et aucun avec le milieu dit « littéraire », ce qui ne simplifiait pas ma tâche. Je cherchais surtout les gens étranges ou étrangers, quitte à leur refaire par l'imaginaire un visage rêvé.

Pour échapper à ce monde occidental d'un urbanisme forcené fondé sur la violence, je choisissais la marche un peu partout. Ici et en Asie. Indes, Tibet, Nepal, Afghanistan, Pakistan, etc. Cette activité me semblait beaucoup plus poétique que l'écriture. En vérité, elle y menait. La défonce physique aide à se refaire une innocence, qui me semble le fondement même de la poésie.

Dans quelle écriture vous sentez-vous le plus à l'aise ?

Dans toutes et dans aucune. L'écriture est un petit moment de crise entre ce qui se met à remuer en moi et ce que je rêve de faire remuer chez l'autre.

Votre poème dramatique, Voccero, me semble bien illustrer votre démarche. lyrique, mais sans retour sur soi. Un lyrisme de l'autre, en quelque sorte. Pour vous, le moi serait-il haïssable ?

Si je ne me commémore pas, ce n'est pas par humilité, mais parce que j'aurais l'impression de. perdre mon temps. Par contre, commémorer le monde est une façon de l'amener à soi en même temps qu'on va à lui. Mais « haïssable », le moi ? Non, désolé, je m'aime bien.

Je voudrais aussi dire que l'attirail du corps est glorieux. Le crever sous un soleil de plomb, le plonger dans l'inquiétude des grands espaces ou dans un silence trop absolu, le sort des normes. Sans rancune, il me rend un surplus de vie. Ma poésie est donc plus sensuelle qu'intellectuelle, plus tournée vers le monde que lovée sur elle-même. S'arrêtant souvent pour se faire un clin d'œil. Là où rien n'est vraiment sérieux, tout peut se montrer tragique.

Vous attachez beaucoup d'importance à l'oral. Quelle est pour vous la finalité de la poésie: être lue ou être dite ?

Oui, ce que j'écris est fait pour être dit, et pas seulement mon théâtre. Je me revendique ainsi « homme du Sud » : partisan du dit chaud contre l'idée froide. Le Dit, signe d'échange. L'idée, signe de domination. L'image donne à choisir. L'idée tend, en notre temps, à s'affirmer comme idéologie, donc mise en forme du pouvoir.

Vous êtes donc partisan de l'image contre l'idée ?

D'une manière générale, je dirai que l'art manque de plus en plus d'innocence. Comme la flèche d'un arc trop tendu, trop d'intelligence fait manquer la cible de la beauté. Elle part dans la dérision. La poésie ne meurt pas, elle se perd.

Que pensez-vous de l'image aujourd'hui ?

Mode de communication privilégiée, elle se généralise, nous poursuit dans la rue et nous attend à la maison. Des jeunes, toujours plus nombreux, finissent par ne plus avoir recours au mot que pour la commenter. Et leur discours est d'une grande pauvreté. Que peut représenter la vieille métaphore poétique devant le déversement d'images des médias? Serait-elle insignifiante? Non, en réalité, c'est elle qui est signifiante. L'image médiatique nous montre la chose. L'image poétique est celle de l'être. La première, éphémère par nature, demande une consommation de plus en plus effrénée très proche de la toxicomanie. Elle ne comble le vide absurde qu'en l'exacerbant. La poésie et son imagerie mentale ne comblent pas un vide mais un besoin profond. Elle ne concerne pas des rapports de masses mais la communication avec soi-même sans cesse brisée par notre rythme de vie. Sa nécessité vitale se fera sentir de plus en plus.

Le personnage de la mère est très présent dans votre œuvre. Pourquoi ?

La poésie par nature est féminine, et le poète également. J'appelle nature féminine l'opposé de la nature technocratique, logique, agressive et intolérante, bref : notre monde sérieux et viril. La nature féminine, loin d'être illusion et rêverie, est lucidité. Il s'agit d'accepter et de louer l'homme tel qu'il est : contradictions insolubles suivies de questions insolubles. Soyons réalistes ! Supprimer le rêve de nos nuits conduit à un manque si important qu'il mène à des troubles mentaux sévères. Or nos songes ne s'embarrassent pas de concepts ni de dialectique, ils vont au plus important dans l'homme : la mythologie dans laquelle il se représente. L'art et notamment la poésie me semblent constituer un regard lucide sur nous-mêmes. Le rationalisme contemporain, par contre, se forge une image délirante de l'homme avec au bout - logiquement et non par on ne sait quelle malchance - des Staline, Hitler, Long Nol et autres terroristes ratiocinant...

Vous revenez, assez rapidement, aux problèmes de société... Est-ce cela, la modernité ?

On peut vouloir être moderne en jouant sur la permanence ou en optant pour l'éphémère. Certains ne jurent que par la griserie de l'éphémère. Pour eux, toute permanence semble d'un ridicule suranné. D'autres n'entendent se situer que dans « l'éternel de l'homme ». Dans cette attitude, seule est « éternelle » la peur du monde. En vérité, les hommes font ce qu'ils peuvent de leur nature avec leur temps. Les permanences dans l'éphémère, angoissantes et incertaines, sont les strapontins de la poésie de tous les temps.

Entre la permanence et l'éphémère, y a-t-il une place pour l'engagement ?

Une poésie peut être politique sans s'engager. Elle retrouve là sa dignité : être méprisée par toutes les idéologies. Les poètes ne changeront pas le monde. Les politiques ne changeront pas l'homme. Match nul. Il n'y aura pas de revanche...

D'ailleurs, la poésie est communication et non médiatisation des échanges. Elle n'aide pas deux êtres emmurés à s'observer de mur à mur. Elle est échange de «tuyaux » entre bricoleurs de l'âme.

Que pensez-vous de l'émotion et du lyrisme en poésie ?

La « sincérité du poète » ? Le torrent sentimental? Ce spontanéisme de concierge? Nous ne sommes pas plus sincères que le peintre ou le musicien. Comme l'acteur en scène, nous sommes des interprètes. Des rêveurs publics. A mon avis ce qu'on appelle le « sentiment » n'a d'ailleurs pas grand chose à voir avec le lyrisme, pas plus qu'avec l'élévation spirituelle religieuse. Le poète lyrique n'est pas l'homme par le petit bout. Sa sensibilité est sensuelle et son moteur tragique.

Vous êtes médecin de campagne. Votre profession a-t-elle influencé votre œuvre ?

Mon métier de médecin, dieu merci, en me forçant à me coltiner avec un réel incontournable, a avivé sans cesse ce conflit entre le monde et son image qui impose l'art comme solution aléatoire mais unique. Il me fournit en fait un ticket de premier balcon sur le monde... à condition, pour écrire, de laisser mon stéthoscope au vestiaire...

Une autre présence remarquable, dans votre œuvre, est celle de la montagne et, plus généralement, de la nature. Est-ce là le reflet d'attaches paysannes ?

Mais non ! Je ne suis pas campagnard ! Mon village vit d'une grosse usine d'électrométallurgie. J'écris devant la lueur des fours qui se reflètent sur le dos de vaches archaïques. Ma seule œuvre populiste est l'histoire d'un exilé espagnol, un marginal qui ne supporte pas la vie paysanne. Mais j'admets être aussi à l'aise dans une métropole qu'un violoniste dans un concasseur.

Je dois d'ailleurs dire que mon absence de la vie intellectuelle parisienne ne me hisse guère en littérature. Il est arrivé à un de mes textes d'atteindre des centaines de milliers de Français, Allemands, Bulgares, etc. sans récolter un seul mot dans la presse de notre capitale. Qu'y faire? Changer de vie ?

Justement, votre vie est bien remplie. Vous aimez les voyages, la montagne, l'écriture, votre métier. Qu'est-ce qui définit ou comble le mieux l'homme Heurté ?

Je me pardonne mon introversion foncière (si, si !) grâce à des petites aventures qui remettent tout en question. Galoper au Tibet, c'est courir le risque d'y crever. Soigner des gens, c'est courir le risque de risquer la peau de mes copains bipèdes. Écrire est risquer son âme.

Choix essentiels où je me sens bien. Tout choix déjà fait m'emmerde. Et si l'on me met devant le choix des risques? Je lâche ma feuille blanche pour la couverture pierreuse d'un glacier himalayen ou d'un volcan islandais. Que la poésie me courre après si ça lui chante... Mais il lui arrive de me rattraper...

Que lit Yves Heurté ?

On peut avoir le besoin d'écrire sans avoir celui de lire. Exiger d'être aimé sans aimer. Ma bible quasi quotidienne, c'est tout de même Saint John Perse. Par ailleurs, le n'ai malheureusement pas le temps de me cultiver. Mais je fais une exception pour la presse : l'image d'un monde mouvant me passionne.

Qu'est-ce qu'un poète en 1985 et à quoi sert-il ?

Un sauveur sans illusion. Et cependant, jamais société n'a eu autant besoin de ses poètes, cette société qui fonde ses pouvoirs sur la conviction lancinante et omniprésente de l'image médiatique, drogue destinée à faire passer un développement technologique et des idéologies irresponsables. Les questions essentielles de notre nature et de notre destinée ne pouvant plus être posées sont enfouies par la psychanalyse, la sociologie, etc. Il appartient aux artistes et en particulier aux poètes, dont les mots ont charge mythique naturelle, de les refaire surgir inlassablement.

Nietzsche, dont on ne peut suspecter le modernisme, disait : « L'art, nous n'avons plus que l'art pour nous aider à supporter la vérité ». Le conflit s'annonce inévitable entre les gens de Verbe et ceux qui voudraient nous enchiffrer pour nous rendre semblables, fonctionnels et soumis. Le nombre croissant des poètes emprisonnés, torturés ou « disparus » sous tous les régimes témoigne de la nécessité de notre survie. Un monde sans poètes serait désespérément voué à l'ordinateur et aux sociétés implacables qui s'installent un peu partout.

Cela ne m'empêche pas de travailler sur une machine à mémoire qui permet le traitement de texte - même poétique l Ma poésie ne s'en porte pas plus mal, bien au contraire, mais elle domine ses moyens.

Propos recueillis par Michel Baglin

Image émouvante de deux amis disparus: Jean-Pierre Metge discute avec Yves Heurté. (Photo MB)




 Bibliographie 

Yves Heurté a une œuvre très abondante, d'une bonne cinquantaine de volumes. Parmi ceux-ci, on retiendra :  

En poésie

Voccero, poème dramatique. Rougerie. 1975

Le Carnet tibétain,  Rougerie. 1984

Passion,  Sud. 1986

Bois de mer,  Cheyne. 1986. (poèmes mis en musique et chantés par Martine Caplanne. CD, MSI  Pour écouter deux chansons, cliquer ici
La Noce solitaire,  Rougerie. 1987

Les Mers intérieures,  Rougerie. 1992

Point d'orgue,  Rougerie. 1994

Mémoire du Mal, Ed. En Forêt, 1998

Romans

La Ruche en feu, Gallimard, 1970

La Nuque raide, Entente, 1975

Leçon de ténèbres, Arcantère, 1988

Le Passage du Gitan, Gallimard, 1991

Les Chevaux de vent, Milan, 1995

Le Phare de la Vieille, Seuil, 1995

L'Horloger de l'aube, Syros, 1997

L'Atelier de la folie, Seuil, 1998

Récits et livres de souvenirs

Vous, gens de montagne, De Borée, 2004

Le Pas du Loup, L'ecir, 2006

Journal de nuit, journal de guerre d'un adolescent, éditions Alan Sutton, 2003

Yves Heurté a écrit plusieurs romans pour la jeunesse, ainsi que des contes et nouvelles, notamment chez Magnard.
Il a également écrit une dizaine de pièces publiées aux éditions Rougerie, ainsi que des textes pour la radio.

 


Une lettre-préface de René Rougerie

Pour le numéro 23 de Texture, j'avais demandé une lettre-préface à René Rougerie, qui est l'un des principaux - et des premiers - éditeurs d'Yves Heurté. La voici.

Cher Michel Baglin,

 Vous m'avez demandé un texte de présentation sur Yves Heurté. J'ai quelques scrupules à l'écrire, m'étant imposé une règle de réserve.

J'ai dit à plusieurs reprises, et notamment en tête du numéro un de «Poésie présente», quelle poésie j'aimais. Mon catalogue indique lui aussi clairement mes goûts, même si certains noms que j'aurais aimé y inscrire n'y figurent pas. Aussi ai-je l'habitude de dire tout simplement: j'aime - sans donner une explication - je n'aime pas - alors là, oui, j'en donne les raisons.

Yves heurté? J'ignorais tout de lui lorsque Edmond Humeau me remit  Voccero. C'était en 19 75. Déjà à cette époque j'avais regroupé une cinquantaine de poètes que~ je souhaitais éditer régulièrement et je ne pouvais que très difficilement envisager d'agrandir « l'équipe » (une équipe, pas une chapelle), l'éditeur (de poésie) devant rester un artisan. Toutefois, une porte restait - elle reste encore - entrouverte.

J'ai donc hésité à publier Voccero - le publier impliquant l'obligation morale de publier d'autres poèmes de la même veine... et du même auteur. Pourquoi finalement ai-je ouvert les pages de Poésie présente à Voccero... et à la suite ? Sans doute parce que cette poésie avait la densité, le poids des mots qui me sont chers. Mais aussi il y passait un souffle, une chaleur, et cette alliance est trop rare pour ne pas offrir une chance à son créateur.

Je sens trop souvent que la concision de la poésie que j'aime pourrait aboutir à une certaine froideur, à la page blanche même. Chez Heurté, rien de cela. Il y a une vie qui sait se faire entendre. Oui, une poésie qui vous parle au travers de la lecture; une longue suite de cris, de chant, d'amour.

Si la poésie doit nous permettre de découvrir, d'approcher les « réalités secrètes », pourquoi ne ferait-elle pas éclater cette réalité en une générosité du cœur: soigner, mais aussi donner la vie, au travers de diverses activités qui finalement n'en forment qu'une et façonnent à leur tour l'homme Heurté ?

L'homme Heurté, c'est aussi le médecin de campagne avec sa vie solide au pied de la montagne. J'ai eu la chance de le suivre à la tombée de la nuit dans des villages où se cachait la souffrance et c'est dans ce combat, entre la maladie et la mort, que nait pour lui une autre vie pour d'autres personnages.

Yves Heurté est romancier et homme de théâtre et poète. Le souffle du théâtre imprègne toute sa vie, parcourt sa poésie ; mais celle-ci ne tombe pas dans le piège de la représentation. Elle est authentique, sans concession. Je ne ferai pas de citation, cette poésie se coupe mal en tranches. Chaque recueil est un seul et même poème en plusieurs actes. Je souhaite que ce poème chante longtemps encore au travers des pages de votre revue et de nouveaux livres.

Je tiens à vous remercier d'avoir présenté dès poètes tels que Yves Heurté et auparavant Pierre Gabriel. Pour moi le Midi, c'est aussi Paul Pugnaud, Henry Cheyron, Jean Digot... il y en, a d'autres. Ils ont, avec leurs personnalités propres, quelque chose en commun, une richesse généreuse qu'ils offrent au travers de leur œuvre au lecteur. A celui-ci de ne pas l'ignorer. Des poètes à découvrir.- c'est le rôle que de petits éditeurs (et de jeunes revues) devraient avoir à cœur de jouer. Hélas, beaucoup essaient d'accrocher leur marque commerciale (hélas encore) à 1a renommée de poètes en vogue - ô combien précaire.

Merci à vous.

René Rougerie.


Lire aussi l'article de Georges Cathalo:

Écriture et médecine douces

Un "double je"

La photo, il l'a découverte à dix neuf ans, à l'hôpital, quand on lui a offert un appareil. La fenêtre de sa chambre a encadré ses premières prises de vue. Depuis, la passion photographique n'a plus quitté Jean-Luc Aribaud. Elle le rend exigeant. «L'image, il faut s'en méfier, elle est souvent démagogique, prévient-il. Surtout dans le réalisme. Personnellement, j'aime la travailler, mais aussi qu'on lise dans une photographie un sentiment, une subjectivité.»
Jean-Luc Aribaud est en quête, comme tous les créateurs. A chacun de ses projets, livre ou exposition, il explore un domaine en liant son travail  à une technique particulière - l'infra rouge noir et blanc, le chromatisme décalé pour les paysages, par exemple. Des procédés qu'il revisite ou met au point. Qu'il expérimente avec les autres, aussi.

Car ce photographe et écrivain fait partie depuis plus de 15 ans de l'équipe qui anime l'atelier photo de l'Espace Saint-Cyprien, à Toulouse. Un lieu où les échanges sont riches. «J'aime travailler au contact  d'autres sensibilités, dit-il.  M'ouvrir à d'autres approches.» Il anime d'ailleurs d'autres ateliers.

S'il conseille, de la prise de vue au tirage, il initie également des projets collectifs qui donnent parfois lieu à des publications. Comme ce très bel album, «Forêt Style», consacré à l'univers sylvestre, où douze auteurs saisissent arbres, souches, branches avec des esthétiques parfois opposées mais la même passion d'un regard que le cœur éclaire.

«A chaque projet, dit-il, je me remets en cause, j'aime les ruptures.» Et il y en a eu beaucoup car Jean-Luc Aribaud a déjà plus de 200 expositions à son actif, en France, au Portugal, etc.

En comparaison, il semble avoir peu publié : cinq ou six recueils de poèmes. Mais d'autres livres, romans et proses diverses, sont encore dans ses tiroirs. Et, surtout, il avoue que l'écriture, la poésie, reste sa grande affaire. Là encore, il approche un "fond" à travers les formes. «Ce n'est pas si différent de la photo, mais plus difficile à partager», note-il.

C'est peut-être encore son désir d'aller au-devant des autres qui l'a conduit à monter un spectacle sur un de ses textes, avec danse, vidéo, mise en voix, et qui a été présenté dans plusieurs théâtres.

Ce passionné d'écriture et d'images a aussi un côté militant expliquant probablement son implication dans l'édition, puisqu'il est le créateur avec Philippe Dours des éditions N&B, qui ne comptent pas moins d'une quarantaine de titres à leur catalogue. «Le livre, c'est mon obsession», concède-t-il en souriant.

M.B. (Article publié le 17 avril 2004)

Ecrivain et photographe

Jean-Luc Aribaud est né en 1961 à Mazamet. Poète, photographe et éditeur, il vit à Toulouse. Il a reçu le prix Louis Guillaume pour Les mondes illimités (L'Arrière Pays) et le Prix Mal Pol Fouchet pour Une brûlure sur la joue (Castor Astral).

Il est également l'auteur de :

Dans les marges de cendres, avec Phillippe Dours, N&B

Les mondes illimités, L'Arrière Pays

Celle qui attend, Filigranes

Instants de rien, L'Arrière Pays

Une brûlure sur la joue, Le castor Astral

Les langues noires, Collection Tram, A éditions

Ecrire où la muse est (collectif) N&B

Prophéties, Le Castor Astral

Et, pour les enfants :

La nuit de la dernière lune, Zorba éditions

Photographie :
Lisbonne , éd. du château d'eau/AFAA
La garonne en pays toulousain , éd. la Part des anges
Mes mains du bout de moi , éd. les Imaginayres
D'une écluse à l'autre , éd. N&B
Forêstyle , éd. N&B
Double Je , éd. Zorba
Passages , éd. Zorba (poésie et photographie)

Nocturnes 5.O. (poésie et photographie), N&B

Industrps, collectif, N&B

L'appel des sources , éd. Opales (poésie)

A propos de quelques recueils

Instants de rien  (L'Arrière-Pays)
« Le réel ne propose toujours / qu'une part de vérité / où manque à chaque fois / l'origine nue des choses. » Ainsi les poèmes de Jean-Luc Aribaud sont-ils toujours confrontés à un « gisement de nuit », à « un bout d'inconnaissance », interrogeant « le monde d'avant que nous soyons distincts / de la fleur ou de la simple joie d'hirondelle » avec « la parole qui ne cesse de mourir / contre le vacarme inextinguible de l'ombre. »
Quelque chose s'est perdue avec l'enfance, quelque chose comme la familiarité avec l'énigme du monde. « Aurais-tu dépassé sans le savoir / l'âge d'être entier en toi-même ? (...) La forêt qui te cerne / est déjà ce lieu de légende / dont tu ignores la parole. »
Pas de concessions chez Aribaud : la main du veilleur « cherche désespérément / et ne trouve dans l'absence profonde / que la pierre qui ne répond de rien ». Les mots, le poème lui-même ne sont que pauvres témoignages : « Pourquoi donc ne pas reconnaître / que nos mots n'aurons jamais / la densité infinie de l'olivier ? »
Parce que Jean-Luc Aribaud est aussi photographe, lorsqu'on lit « Ainsi le monde n'a plus d'image à offrir », il est difficile de ne pas songer à ses photographies (notamment celles de Double je, publié avec un texte de Didier Periz aux éditions Zorba) où les êtres aux visages insaisissables sont toujours un peu déjà dans un autre univers, renvoyant à « cette correspondances éclairée des mondes », et où « se règlent les comptes du réel et de ses reflets ».
Une lecture ésotérique est peut-être possible, comme pourrait le laisser penser le « cercle de plénitude » de la mort du dernier poème, ou encore ces vers : « Ce soir la parole cède à des gestes de culte : / peut-être devrions-nous lever haut la flamme de nos bougies, / vers le ciel muet et les forêts qui ne répondent plus... » Je préfère quant à moi m'en tenir à la beauté noire d'un questionnement lancinant : « Et qui donc alors nous poussera à être / au moins jusqu'à l'extrémité de nos vies ? ». A ces riens évoqués - « cet à peine perceptible, / ce rien presque et sa cire journalière, / cependant suffisante à tenir vive au-dessus des gels / la fleur fragile des éternités. »
A ces moments de nostalgie qui sont lumière : « Chemin, chemin d'allégresse et de clarté, / derrière quel horizon de boue te caches-tu désormais ? / Chemin qui savait naître à mesure que nos pas mouraient, / chante encore ta simple joie de porter les vivants... » Ou encore à cette sobre proposition : « simplement durer, durer tendrement / comme un doux baiser soufflé d'une main sûre. »

(64 pages. 11,43 €)

Les Mondes illimités

Cinquante-deux poèmes comme il y a cinquante-deux semaines dans l'année, «cinquante-deux oscillations entre ombres et lumières» composent ce recueil qui règle des comptes avec ces «aubes intrigantes où se chiffonne le mal de vivre». Une écriture serrée, de «noires paroles» pour rejeter illusions et autres «énigmes truquées» - de celles qui voudraient nous obliger «jusqu'au bout à ne pas croire en nos morts imminentes» - savent aussi dire notre fragilité : «Nous nous éteignons pour si peu, hommes de passage, dont les cœurs en fusion flambent sans rancune les dernières brassées de bois mort.».
Le "nous" prédomine, car il s'agit bien ici de notre condition humaine: «Nous demeurons là, à quelques enjambées du vide seulement, comme si le théâtre illusoire des mots pouvait un instant retarder notre perte. Nous serons, comme ceux et celles qui nous léguèrent leurs absences: des jongleurs éphémères.»

On lit dans ce recueil une volonté farouche de ne pas être dupe, ni du monde ni de l'Histoire, de se tenir au plus près de l'homme nu. «Oui, nous désirons mourir blancs, comme ces franges de sel inutiles que la mer dépose au petit matin, sans théorèmes ni exemples à transmettre, sans suite ni beauté qui puisse guider un seul homme aux avant-postes de la victoire.»
Le dépouillement - ni dieux, ni maîtres, ni mensonges pacifiants - est la condition pour retrouver un regard ouvert, et peut-être le monde. Car «il suffirait de peu, pourtant, pour que crépite à nouveau entre les dents le soufre du poème retrouvé (...) Presque rien, un trait de lumière insoupçonné, comme un paradis rebelle sous la carte séculaire des sables».
Cette belle écriture gorgée de violence, de tensions, de tendresses perdues avec l'enfance, est bien une oscillation entre ombres et lumières (Jean-Luc Aribaud est aussi photographe), la sensualité affleurant sous le nihilisme: «Nul ne s'épuise vraiment jusqu'à renoncer à l'odeur inquièt  e de la rose. Nul ne goutte à l'étrange fascination du gouffre, sans se souvenir du tilleul frissonnant au centre de la nuit, de cette belle jeunesse perdue dont les dents blanches et dures cassaient sans souci les premières amandes de mai.»
                       (64 p. 70 F. L'Arrière-Pays éd. 9, rue d'Etigny. 32000 Auch.)

 
Une brûlure sur la joue  (préface d'Éric Brogniet. Le Castor Astral éd.)
Ce livre primé en 2004par les jurés internationaux du prix Max-Pol Fouchet a été inspiré par un séjour en Italie et par les tableaux que l'auteur, Jean-Luc Aribaud, a pu y admirer. Ce Toulousain a déjà publié quatre recueils et a reçu le prix Louis Guillaume, il est aussi photographe et expose à l'étranger comme en France. Ses poèmes pour la plupart ouvrent un dialogue avec la peinture (Le Titien, Cézanne, Gauguin, Picasso, Bacon, Chagall). C'est là une manière d'encore baigner dans la lumière, mais aussi de se confronter à l'obscurité et à l'épaisseur indéchiffrable du monde.
Comment saisir le mouvement, la vie, dans une peinture, nécessairement figée ? Ou dans un poème ? La poésie de Jean-Luc Aribaud explore les paradoxes de la représentation et cette part d'inconscient qu'elle révèle. On peut y lire une sorte de célébration dans la couleur et la sensualité de certaines évocations, mais elle ne fait jamais oublier  les « ombres dévorantes » ni l'inquiétude métaphysique d'un auteur qui se réfère volontiers à la tradition ésotérique, « la première psychologie de l'âme », et pour qui le poète est un alchimiste. Qui résiste au quotidien parce que les apparences, comme la banalité, nous enferment et nous exilent, au commerce ordinaire des mots parce qu'il nous aveugle. Et parce qu'au-delà de la « prose mauvaise des mondes soumis », il n'a de cesse de chercher ce qu'il y a derrière les couches de peinture, les images, le « vernis des jours ».
Probablement Jean-Luc Aribaud voudrait-il réduire « cette épaisseur de griffe et de colère qui nous sépare du Dieu ». Comme tout ce qui nous limite, nous condamne au « noir rude, infini de notre exil » et à « l'éparpillement des jours ». Ses poèmes, à l'écriture allusive, aphoristique souvent, à la fois s'engagent sur ces chemins qui mènent à l'intérieur chers à Novalis et s'ouvrent au vaste monde. Ils jouent des contraires, transgressent, se moquent des frontières. Juxtaposent ou superposent des mondes, plusieurs plans de réalité qui se masquent ou s'interpénètrent comme des strates de couleurs sur la toile. L'invisible est aussi présent que les corps (il cite Francis Bacon : « Les faits laissent des fantômes »).

A moi les morts !

Je vois leurs printemps interrompus,

leurs roses décapitées

tenir tête au bleu vivant de juillet.

Est-ce un mal ce tumulte d'os à mes fenêtres,

ces joutes de fémurs

lorsque l'idée joyeuse me prend

de couler un peu de vie

entre tes cuisses ouvertes ?

Au plus haut du cri

j'ai toujours cru au pouvoir de la poussière

à ces buées éphémères sur les vitres impassibles.

L'amour seul ne saurait sceller nos hanches.

 
Aribaud parcourt ses propres étendues en proclamant : « Je ne veux pas m'apprivoiser ». Il écrit pour « travailler à ce que nos espaces ne soient pas limités ». Et si, pour lui, la poésie reste « le langage premier », c'est qu'elle ouvre les chemins de l'intériorité, car, dit-il, « nous avons en nous un infini que nous n'explorons pas ». C'est qu'elle naît quand « c'est une autre soif qui épaissit nos langues », s'immisce dans le temps où « tout simultanément s'éclaire et s'obscurcit » et dans nos paradoxes.
Sa poésie, de haute inquiétude, ne tient rien ; elle cherche et mesure des distances : entre les mots et les choses, le visible et l'invisible, la fusion par la sensualité et l'exil par la langue, l'amour vital et son double endeuillé, le poème. Ce faisant, elle nous renvoie à la double profondeur du monde (« l'espace sans nous, / l'étendue où se délite la langue ») et de nos quêtes obscures quand nous courons au bord de nous-mêmes,

« vers cette terre d'adoption,

ce sol absolu promis

à nos petits pas d'enfants perdus. »

Le recueil a obtenu le prix Max-Pol Fouchet 2004  

Prophéties  Castor Astral

Poète, photographes, Jean-Luc Aribaud propose avec ces Prophéties plusieurs entrées : un recueil, d'abord, mais aussi un DVD où deux comédiens, Marie Dillies et Jean-Michel Hernandez, prêtent leurs voix aux poèmes sur des images vidéo de l'auteur.

Le futur a sale mine, surtout regardé avec un œil de poète ! Il se dessine ici avec « un hibou cloué sur les décombres » et il n'y fera pas bon ouvrir portes et Windows vers « les trente au-dessous du silence ». L'homme de demain sera dépossédé de sa voix, « la fureur des images / scellera sa bouche », il le sera aussi de lui-même et Aribaud lui fait avouer : « Chaque nuit que la cathodique fait / j'apprends à ne plus me connaître ».

« Un vague Dieu décloué

Leur donnera l'approbation de l'Empire :

« Continuez ainsi, mes fils,

Et que l'ivresse d'être

Sans origine sans nom contre la nuit

Vous protège des déchirures. »

Ce sera tout ou à peu près

Puisque leur vie aura suivi la notice :

A dissoudre dans un verre d'eau ».

Dans ce futur - comme dans celui de toutes les œuvres d'anticipation - on reconnaîtra la part maudite de notre présent, sa tyrannie marchande, la solitude des « yeux contre la vitre froide », la peur du réel et l'asepsie du langage creux, comme de la « mort potable ». « Il y a urgence à rompre la corde qui nous tient tête basse et nous donne, quand vient le soir sur nos demeures paisibles, des allures de petit caniche aux langues molles d'avoir trop léché les vitrines virtuelles de nos maîtres », s'insurge Aribaud.

Ce recueil qui se veut aussi « appel violent aux mémoires » a le verbe incisif pour dénoncer ce qui menace l'homme de demain, dépossédé de son chant.

« Dans l'âme de quelques-uns

L'automne distribuera encore son or,

Son ressentiment aussi

De n'être plus tenu par le chant d'amour de la parole. »

Mais la voix sait se faire beaucoup plus douce quand elle parle d'enfance, d'intériorité reconquise, d'amour - de tout « ce qui de toi effleure l'aile des albatros », qui est menacé et qui seul rend la poésie possible, audible. Car le poète, bien sûr, n'a pas renoncé devant le « bégaiement ensanglanté » de l'histoire, ni les promesses nauséabondes de l'avenir qui s'esquisse dans la conso-attitude. Il résiste avec la belle énergie de ses prophéties qui voudraient nous réveiller du cauchemar où nous glissons.

(Prophéties. Préface de Didier Periz. Le Castor Astral. Recueil et DVD. 12 €)

Quand Bruno Ruiz
décline ses fidélités

Bruno Ruiz était début mars sur la scène du théâtre Sorano, à Toulouse, pour trois soirées, avant d'entamer une tournée en Suisse et dans les Alpes. Son récital s'intitule « Bruno Ruiz Maintenant », comme le CD qu'il vient de sortir.
Né en 1953 à Arcachon, il a élu pour résidence Toulouse depuis 1977. En presque quarante ans de chansons et de poésie, mais aussi de théâtre et d'écriture de nouvelles, il a construit une oeuvre marquée par les tragédies du monde, la mémoire de l'exil, mais aussi la fraternité, l'amour et l'amitié.
Petite bal(l)ade dans un paysage « complètement Ruiz ».

« Voici le temps des bilans de l'usure

Aux feux croisés de nos forges intimes

Je veux l'amour absolu jusqu'au bout

Face à la verte et dernière beauté

Maintenant »

Maintenant comme hier. La même force, le même lyrisme, la même douleur et la même beauté. Il est vrai qu'il n'a pas perdu en gravité, Bruno.

Ni en fidélité : un maître mot chez lui. Fidélité à la poésie (« Si je me tais moi-même je trahis »), à la compagne (« Le temps dérive / Mais tu restes présente / Aux clameurs des années »), à l'Espagne, cicatrice jamais refermée (une chanson évoque le village en ruine de Belchite et ce « vieux soldat qui tant se traîne »), fidélité à « l'épaisseur des morts », mais encore fidélité à la terre :

« Je n'en finirai pas de vous dire merci 
D'avoir su me convaincre que le monde est ici. »

Oui, Bruno réaffirme CD après CD, que le monde à vivre est ici, « le ciel sur terre ». Et même si notre condition est aussi dérisoire que précaire, nous savons lui donner sens :

« Le temps dérive

Et nous sommes vivants

Sur notre astre oublié

Dans nos cris partagés

Nous abattons la nuit

De lumières choisies »

Bruno ne croit pas à la fatalité, c'est un battant qui proclame :

« C'est à nous de chanter

De nommer la beauté

Nous n'avons qu'une vie

Et si peu est écrit ».

L'adolescent d'hier - « J'étais si loin du monde / Qu'il me le rendait bien » - a fait place au chanteur présent au monde, à ses engagements, à ses rêves, comme à ses doutes :

« Aujourd'hui j'ai besoin

d'écrire ou de chanter

Mes lieux et leurs visages

Mes doutes leurs prisons. »

S'il trouve des accents déchirants pour évoquer la solitude d'une femme vieillissante et son suicide (« Une femme est tombée »), l'exil des migrants, la famine et les tortures (« Je t'aime contre la mort »),  Bruno Ruiz sait aussi trouver « des mots loin des polices » pour nous apprendre à jouir du sang qui coule dans nos veines :

« Jamais nous ne serons assez nombreux

Pour nommer les merveilles de ce monde ».

C'est une sagesse qui se dessine ainsi pour « se souvenir sans esprit de revanche » ou pour « ici vieillir entre naître et mourir » dans une forme de sérénité conquise. Au point qu'il peut admettre « qu'il faut savoir partir sans nous être tout dit ».

Voilà ce qu'il en est « maintenant » de Bruno, d'un poète et d'un homme en pleine maturité, en pleine possession de son talent :

« Ce peu de temps qui reste

A ce corps qui s'enlise

Je le veux souverain

Sous la lune complice

Je le veux dans ta main

Plus léger qu'une abeille

Comme un coussin d'été

La flèche d'un hiver

Je le veux sans compter

Les ruines de nos routes

Et savourer à deux

L'instant qui s'éternise. »

Au sujet du chanteur qu'il apprécie depuis toujours, Bruno Ruiz a écrit : « On n'écoute pas Jean Vasca. On fréquente une langue, la sienne, faite de nos mots. » La formule, bien sûr, pourrait s'appliquer à sa propre poésie, où l'on retrouve les fraternités, les utopies malmenées et les colères qu'il chante depuis longtemps, et qu'il nous tend un peu comme un miroir où reconnaître ses propres paysages. Un miroir mais aussi une vitre qui s'ouvre sur le monde où ses poèmes, même les plus sombres, sans cesse nous convient.

 
Le chant et la scène

La beauté de ses textes ne doit pas faire oublier cependant que Bruno est aussi un interprète et un homme de scène. Ce que rappelle François André (avec lequel il a publié un long entretien,"Le miroir et la vitre") qui note, fort justement : « Bruno Ruiz s'écrit en livres et en disques et cela prête à de fer­tiles duos. Mais c'est sur scène qu'il se rassemble, qu'il unifie à l'écriture la voix et le chant. C'est là qu'il faut le retrouver dans une autre lecture tout aussi intime. Enserrée dans les arpèges d'Alain Bréheret, le son de Jean-Jacques Vaudou, les lumières d'André Tailhades, sa poésie va à la rencontre du spectateur comme dans une confidence. »

Pour évoquer le chanteur sur scène, j'ai retrouvé deux textes que j'avais publiés dans « La Dépêche du Midi ». Le premier date du 30 avril 1979 et fait référence à un récital donné dans un cabaret du Gers, où Bruno se produisait avec Maurice Fanon, Lou Bécut. J'écrivais :
« En accueillant Bruno Ruiz et Maurice Fanon, lou Becut recevait ce dernier week-end, une fois encore, la chanson de qualité. Bruno Ruiz, auteur compositeur interprète, a écrit plus de deux cents chansons et considère pourtant son travail avec modestie : il cherche la correspondance parfaite, la plus significative, entre texte et mélodie. L'image juste, celle qui, jamais conventionnelle, sait bousculer les sensibilités reçues et trouver un écho parmi l'auditoire. Pari difficile de la poésie. Mais à travers son « discours qui s'impatiente », Bruno Ruiz a de la colère et de l'émoi à revendre ou plutôt à donner. S'il ne s'ampute d'aucune part de lui-même, s'adressant à tous (aux « gens que je déçois de mes pantoufles maladroites », comme aux autres) pour avouer sa « peur de mourir avant la saveur des vieux jours » et renouer avec son « rêve écolier », il ne néglige rien et surtout pas l'humour qui est parfois, aussi, une manière de pudeur. »

Le second a paru en décembre 1994 et évoque un récital donné à la Cave poésie, lieu mythique de Toulouse. Je l'avais intitulé « Bruno Ruiz, comme un bateau... » Le voici :

« Des « bouillons d'images » dans le chant, en chemise et pantalons noirs sous les lumières chaudes de la Cave poésie, juste ce qu'il faut de malice dans l'œil pour la complicité - et peut-être aussi dire qu'on est bien là, au milieu des gens, qu'on ne s'est pas retiré derrière son lyrisme et ses arrière-pays - Bruno Ruiz impose d'emblée ses mots de poète (pardon : de « représentant de la poésie »), sa voix qui joue avec le piano d'Alain Bréhéret pour parfaire l'émotion dans le geste exact.

D'emblée l'écoute, l'intelligence séduite, les cœurs bousculés embarquent à son bord un public acquis au voyage. D'emblée le partage. Les alcools forts de l'amour, de l'exil, de la mort. D'une langue qui se risque, met à nu, dévoile et touche juste au défaut de la cuirasse du quotidien.
D'emblée, on y est, précisément là, au chevet de sa propre vie (pour « en toucher le fond »), de sa quarantaine en déséquilibre (ou de sa cinquantaine, sa soixantaine, qu'importe, c'est toujours le même vertige), au chevet  des espoirs, des révoltes, des souvenirs et des légendes d'une génération qui (de son propre aveu ou non) se reconnaît dans son étonnement de vieillir sans voir vieillir ses utopies. C'est bon. Sacré Bruno !

    Ce Toulousain trop rare à Toulouse, écrivain, comédien, auteur, compositeur, interprète, s'est toujours baladé en baladin aux lisières du théâtre et du music hall, mettant en espace des poèmes, en poésie des « textes de scène », en musique et en gestes le secret désarroi de « ce qui pense » et de « ceux qui doutent ».

    Cette fois pourtant, l'acteur de sa propre langue habitué à se chercher dans les chemins buissonniers fait un retour à la chanson. Tout bonnement, mais avec force, authenticité, persuasion. Et vingt titres nouveaux. « Pour la mémoire des vaincus / pour le silence des émus », parce qu'on ne réfute ni une mémoire de fils d'exilé, ni une réalité d'homme un peu décalé, en marge des sensibilités préfabriquées. Pour se pencher sur la femme, celle qu'il nomme de tous les noms de traverse et de dérive. Sur la nuit et nos obscurs vertiges. Sur des âges à la sérénité enviable.  « Et puis laisser la mort aux morts », pour vivre et le crier, et vieillir comme un bateau, la rouille pas très bien acceptée, assumée pourtant.
C'est ajusté, comme la tenue en scène, aux trois quarts de poil des émotions intimes. Et le public en redemande, persuadé de tenir là, sous ses applaudissements, un vrai poète-chanteur (ou l'inverse, évidemment) qui vous dit, mélodies en prime, que la solitude n'existe peut-être pas quand on se ressemble tellement...»

Son précédent CD, « Si »

Voici ce que j'écrivais à propos de son précédent récital (et CD) « Si », en 2006.

« Plus que jamais Bruno Ruiz chante « entre colère et utopie ». Attentif plus que jamais à nos vies bancales. Il revient de loin, « brisé de petites guerres » et d'illusions malmenées. Mais il n'oublie pas d'où il vient, le fils de l'Espagnol, de l'étranger, mûri dans le huis clos de l'impasse des « rouges du fond ».

De l'hommage au père au déchirant « Vers la fin » (sur la vieillesse et la déchéance), de l'amour qui dure (« Je te chanterai jusqu'au silence ») à l'éternité des morts que nous portons en nous, il décline ses fidélités en 16 chansons, d'une voix chaude sur les beaux accords au piano d'Alain Bréhéret.  « Nous n'avons pas trahi nous sommes un peu plus vieux », revendique-t-il.
« Vieillir nous exagère » et au bout du compte nous fait revisiter nos traces. Celles de Bruno sont de fraternité en dépit des « mises au point » : « J'ai rangé vos grands soirs au musée de l'histoire mais ma flamme est intacte », affirme-t-il ; et on le croit volontiers tant ses textes sont travaillés de ces forces qui savent, dans la lumière et la nostalgie, « réapprendre à se lever ».

Bruno sait entrer dans nos vies « par le secret des mots » pour susciter les connivences sensibles. Distiller son goût du bonheur et des célébrations comme dans cet hymne à la présence au monde qu'est sa chanson « Puzzle ». Sa poésie et ses mélodies continuent de tisser ce chant contre la mort qui croît dans le partage : « Et ma voix dans les mots cherche à vous dire merci. »

 On peut inverser les rôles et lui dire merci à notre tour car ce nouveau CD est un vrai cadeau.

Michel Baglin 

 
Sa discographie

« Si », 2005

Production Ithaque ; enregistré en mai et juin 2005. Avec les chansons : Merci ; Je reviens de loin ; Vers la fin ; De n'être celui qu'on préfère ; Les rouges du fond ; Nouvelle route ; Mise au point ; Des forces ; Sœurs d'amour ; Si tu es là demain ; À ; Je te chanterai jusqu'au silence ; Puzzle ; Nuit blanche ; Le sommeil du jongleur ; Si.

Chant impératif , 2003 : 

Production Ithaque ; enregistré en octobre et novembre 2003. Avec les chansons :  Tout est possible ; L'art d'être né ; Élève-toi l'élève ; Glisse entre neige et boue ; Homme hésitant ; Poussière de vivant ; Avance ; Voyage ; Laisse ; Dénoue-toi ; Rejoins l'univers ; Apprends ; Embrasse les anges ; Allume tout ; Trouve ton île ; Les mots absents ; Hisse l'homme ; Résiste ; Le corps s'en va ; Chant du muséun.

Nous, 2001

Production  Ithaque; enregistré en mai et juin 2001. Avec les chansons :  Soyez beaux ; Nous ; J'ai des frères ; Le chant des oubliés ; Homme debout ; Être fidèle ; Être ou avoir été ; Marraine sereine ; Corbeau ; Les petits cœurs du papier peint ; Je n'ai pas toujours été celui que tu regardes ; Si je pars ; Thalweg

Après , 1998

Production Ithaque ; enregistré en février et mars 1998. Avec les chansons : Hom-Louve ; Les Drakkars ; Altavoz. 

Les Larmes de Laurel, 1995

Production Ithaque ; enregistré en juillet 1995 à la Salle Nougaro (Toulouse). Avec les chansons : Le miroir et la vitre ; Chanson crépusculaire ; Descendre ; Nager ; Les tambours ; Les promeneuses ; La voyageuse du lit ; Ma ; Chanson étrange ; Cette vie qui nous reste ensemble ; On finira comme on commence ; Foules de nos mémoires ; J'voudrais vivre ; Touché le fond ; Sans histoire ; Homme sans avenir ; Les larmes de Laurel.

L'Homme vigile, 1986

Co-production  Radio-France/ARTEM ; enregistré en juin et juillet 1986. Avec les chansons : L'Homme vigile, Marche de la cité, Je voudrais chanter tout doucement, Kilomètre 43, Plaza Real, Sérénade, Love Boulevard, Séries noires, La femme de ma maison, Conciergeries, Judith, Être passant.

Bruno Ruiz , 1980

Auto production distribué par Oxygène ; enregistré en juillet 1979 au Studio Deltour (Toulouse). Avec les chansons :  Marche de la cité, Chanson, Le CRS, Parking-Brouillard, Télégramme, Canevas, Complainte de la fille et du panier, Jacqueline, Accident, Petite annonce en forme de comptine, La soif, Soirée, Iragne, Je voudrais chanter tout doucement.

De nombreux recueils 

 
Mais à côté de ces sept disques et des centaines de concerts donnés ici et là, une vingtaine de livres jalonnent aussi le chemin poétique de Bruno Ruiz, pour l'essentiel des recueils de poèmes, à l'image de cette plaquette, «J'aime», d'abord publiée chez N&B et rééditée depuis (Ithaque), où il décline en quatrains ses prédilections. Du «J'aime Georges Perec / le parfum des tabacs blonds / la rentrée des classes en automne / j'aime savoir pourquoi » au « j'aime vivre / être / écrire / aimer », c'est tout un inventaire, ému, drôle, loufoque et tendre qu'il nous offre, où chacun peut se reconnaître dans ses petites et grandes passions.  
On notera aussi, chez Ithaque, le recueil "Chansons et textes de scène" qui réunit ses textes écrits de 1973 à 1993.

Sa dernière publication est un livre d'entretien passionnant avec François André, "Le Miroir et la vitre", où le chanteur - et l'homme - détaille ses façons de voir et de vivre le monde, le temps présent, l'amour et la révolte, l'amitié et la fraternité. Il y explique ses débuts, mais surtout son positionnement poétique alors que régnait la chanson yéyé d'un côté et la poésie de laboratoire de l'autre. Sans oublier d'évoquer les grands ainés, Léo Ferré, Brassens, Bertin, et les proches comme Vasca, Bénin... Réflexions sur la poésie, le langage, qui touchent aussi à la morale, celle, toute simple, des femmes et des hommes soucieux d'être justes. Le titre est aussi celui d'une chanson. "J'ai écrit cette chanson, Le Miroire et la vitre, explique Bruno, pour montrer que le poème, s'il voulait concerner les autres, devait s'adresser d'abord à celui qui l'écrivait. Sinon, aucune identification ne pouvait s'opérer."

Pour écrire directement à Bruno  : e.mail : brunoruiz@free.fr
Pour connaître le détail de la bibliographie de Bruno et pour en savoir plus, notamment sur les tournées en cours, rendez-vous sur le site : http://sitebrunoruiz.com
Pour tout ce qui concerne la diffusion des récitals, et la distribution des livres de Bruno Ruiz : Marie-Annick Bault. Association Le Puits 33, rue Française 31400 TOULOUSE Tel : 05 61 20 00 95 / 06 84 30 51 44 Fax : 05 61 20 28 47 e.mail : lepuits@wanadoo.fr


Une métaphore du poème

On marge de son récital « Maintenant », Bruno Ruiz publie un long entretien avec François André, « Le Miroir et la vitre ». Il y interroge avec une grande honnèteté et beaucoup d'intelligence les rapports de la chanson et de la poésie et sa propre démarche. J'y relève ce passage, qui me semble très éclairant,

« Je suis bouleversé au point de pleurer à chaque fois que je vois la dernière scène du film de Mikhail Kalatozov, Quand passent les cigognes. On voit l'hé­roïne chercher son fiancé qui est mort à la guerre. Nous on le sait, mais elle ne le sait pas encore. Elle est là, heureuse avec son bouquet de fleurs blanches dans les bras sur le quai de la gare. Un soldat la reconnaît et lui annonce soudain la mort de celui qu'elle aime. Alors elle se met à pleurer au milieu de la foule en fête, puis, progressivement, dans un magnifique tra­velling arrière, on la voit retrouver le sourire en redistribuant une à une les fleurs de son bouquet aux joyeux inconnus qui l'entourent et qui ne se rendent pas compte de sa douleur.

J'ai mis longtemps à comprendre pourquoi cette scène me bouleversait autant. Je crois qu'elle est la métaphore parfaite de ce que je crois être le poème. L'expression d'une douleur impartageable qu'il nous faut pourtant absolument nommer, non seulement pour s'en libérer, mais aussi pour rejoindre les autres, pour la redistribuer au reste du monde.

La douleur n'est pas transmissible, mais son expression poétique nous donne l'illusion d'être moins seuls et d'appar­tenir à la communauté des hommes. L'art est à ce prix. Tout le reste n'est que divertissement. »

Bruno Ruiz. Le Miroir et la vitre

 Jean L'Anselme, à tous vents

Je ne sais si « le printemps sera plus tôt » cette année comme l'annonçait Cadou, mais il sera drôle, c'est du moins ce que nous promet le Printemps des poètes, la manifestation nationale qui a choisi pour thème de 2009, « En rires ». Autant dire que ce devrait être la fête à L'Anselme (Jean), qui continue de ne pas se prendre au sérieux en se revendiquant « Con comme la Lune », titre de son dernier recueil paru chez Rougerie éd.
L'occasion d'un petit tour sur les chemins de traverse de cet auteur iconoclaste, inspiré par l'Art brut et les gens ordinaires, poète sans dieu ni maître, burlesque et goguenard. 

Poète prolixe, adepte de l'Art brut (et ami de Dubuffet), passé par l'École de Rochefort, Jean L'Anselme  qui n'a cessé depuis des décennies de pourfendre la pédanterie et la prétention (il cite volontiers Derain affirmant que « le grand danger pour l'Art, c'est l'excès de culture »), usant avec gourmandise et provocation du calembour pour mieux tenir à distance l'élitisme, jouant du coq-à-l'âne pour mettre la dérision au service de l'humour, militant de « l'art pauvre », puis de « l'art maigre » pour s'ancrer dans le camps des humbles, se revendique désormais de « l'art con »...
Bref, cet iconoclaste, burlesque et généreux, sarcastique et goguenard (mais on dira avec lui que  derrière les rires, « il y a toujours un peu d'humanité qui traîne ») possède cette vertu rare chez les poètes : la modestie.

Écoutons ce qu'il dit des « Songe-creux », en forme de conseil à un jeune poète :

"Ils brandissent jusqu'aux cieux leurs bras sarmenteux

en proférant des cris aussi vains qu'un silence.

Ils brassent les mots comme on brasse du vent,

des mots qui, face au vide, hésitent un instant

puis s'envolent innocents, futiles et anodins

avec la consistance d'un pet de sacristain.

Poète, c'est ainsi que sont les grands poètes !...

Les chiants désespérés sont les chiants les plus sots

 et j'en sais d'immortels qui me laissent sans mots."

Pourtant,  son propos et son engagement ont du fond, les entretiens ici et là publiés (notamment dans le numéro de la collection « Fresque d'écrivain » des éditions du Soleil natal que lui consacre Michel Héroult) le prouvent. Tout comme son analyse aussi subtile qu'iconoclaste de la poésie de circonstance dans « Con comme la Lune ». Et sa lucidité est subversive : « Mes luttes sont devenues avec l'âge moins tapageuses, car je trouve risible, maintenant, de vouer Pinochet aux gémonies avec un stylobille, devant un feu de bois du côté de Bécon-les-Bruyères. Et, comble de ridicule, avec des tirages de 1200 exemplaires ! »

 Ce qui ne l'empêche nullement d'être toujours solidaire. Notamment des petites gens contre les « gros », des anonymes contre les hommes de pouvoir. Car cet adepte de la « poésie sans poème » qui pourfend les « lin-cuistres », cet ami de Chaissac est bien un libertaire dans l'esprit sans dieu ni maître d'un Prévert ou d'un Allais.  

Ses textes, proses, saynètes et poèmes, s'inspirent du réel le plus quotidien pour se moquer de nos manies et des siennes. Mais s'il affectionne les jeux de mots, les calembours et les pastiches, s'il s'amuse souvent avec bonhomie, voire tendresse, de nos travers, L'Anselme manie aussi l'humour corrosif pour dénoncer l'exploitation, la déshumanisation, les pouvoirs et les ridicules de la société de consommation ou des artistes qui « se la jouent ».

 "Je ne suis jamais du côté du manche

Mais toujours du côté des cognés.

Pas du côté matraque

Mais avec les coudes relevés.

Pas avec les puissants

Mais avec les emmerdés"

 proclame-t-il comme une profession de foi.

Son « Art poétique » donne par ailleurs le ton de son oeuvre :

Vingt fois sur le métier
dépolissez l'ouvrage,
un vers trop poli
ne peut pas être...au net.
Méfiez-vous des vers luisants !
Faites du vers dépoli
votre vers cathédrale.
un poème au pied bot
ne peut être que bancal.

Ses recueils sont à déguster à la bonne franquette. Ainsi, celui intitulé « Le Ris de veau » et sous-titré « Éloge du laid, cuisine et recettes ». Il réunit des poèmes, des textes en prose et quelques aphorismes jalonnant un itinéraire de près de 50 ans. Le calembour y est roi, le mauvais goût parfois cultivé, mais on y sourit et on rit souvent, et comme chacun sait, cela n'empêche ni à la tendresse, ni à l'émotion, ni même à une saine révolte de s'inviter à la table du bon vivant.

Le détournement de publicité y est aussi fréquent et le poète à ses « alcools », comme Apollinaire évoqué dans ce « Chant d'espoir d'une mère affligée » :

«Ah Dieu! que la guerre est jolie

avec ses chants ses longs loisirs »

écrivait Apollinaire contemplant

les éclairs d'un bombardement.

« On rit car on perd nos fils »

soupire la mère Picon

qui trouvait ça très triste

d'entendre parler si con.

Ce moquant plus facilement de lui-même que d'autrui, L'Anselme sait à l'occasion avoir la dent féroce ; son curriculum ne précise-t-il pas, entre autres : « entré dans la Résistance dès janvier 41 pour éviter l'affluence de 1944 ». Il y a certes à boire et à manger dans cette auberge, mais on y passe un bon moment et les poètes ne sont pas toujours de si bons compagnons !

Michel Baglin
 

L'Anselme à tous vents

L'Anselme à tous vents est le titre du CD et livret du spectacle conçu sur des textes de Jean L'Anselme par Martine Caplanne et Métélok (Escalazur)

Après Cadou, Guy d'Arcangues, Yves Heurté, Supervielle, Victor Hugo et de nombreux poètes contemporains, Martine Caplanne a changé de registre en interprétant Jean L'Anselme. Le CD qu'elle a édité est en fait l'enregistrement du spectacle qu'elle propose en tournée (avec son compère comédien Métélok), spectacle conçu à partir d'extraits de « Le Ris de veau » et de « L'Anselme à tous vents », deux recueils parus chez Rougerie. Les textes de L'Anselme sont tantôt dits (et joués), tantôt chantés, le tout entrecoupé des rires d'un public sous le charme.

Engagé avec le sourire, Jean L'Anselme laisse transparaître un lyrisme dépouillé de tout pathos  et d'effets de manches et, surtout, une vraie fraternité avec les humbles, les ordinaires, les gens. C'est ce double aspect que Martine Caplanne et Métélok ont su mettre en lumière sur les planches en jouant à la fois des registres de la cocasserie et de l'émotion à fleur de (bons) mots. Avec la même simplicité que l'auteur qu'ils servent.

Le CD, accompagné du livret du spectacle, est à commander (15 euros) à Escalazur, Domaine de Migron, Appt 203. 64200 Biarritz.

 Sa vie

Jean-Marc Minotte alias Jean L'Anselme flirte aujourd'hui avec les 90 printemps. Né dans la Somme (« bête de somme », donc), le 31 décembre 1919, dans un milieu modeste auquel il est resté très attaché, il fut sportif de haut niveau (international de handball), entra dans la Résistance dès janvier 1941 (« pour éviter l'affluence de 44 »), devint instituteur puis passa 40 années au service du Livre au ministère des Affaires étrangères.

S'il a approché la poésie au contact des amis de l'École de Rochefort, côtoyé Éluard, Aragon, etc. c'est surtout sa rencontre avec Dubuffet, Gaston Chaissac et l'Art Brut qui a bouleversé et réorienté son écriture.

Ses œuvres principales

Chez Rougerie:

La danse macabre, 1950, épuisé

Clés de cadenas de la poésie, 1953

Au bout du quai, 1959

Du vers dépoli au vers cathédrale, 1962, épuisé

Mémoires inachevés du général Duconneau, 1969, épuisé

Les poubelles, 1977, épuisé La France et ses environs, 1981

L'Anselme à tous vents, 1984. Prix de la Société des Gens de Lettres

Pensées et proverbes de Maxime Dicton, 1991

Le Ris de veau, 1995, épuisé

La Chasse d'eau, 2001, épuisé

Ça ne casse pas trois pattes à un canard. Et après?, 2005

Chez des éditeurs différents:

Poésie

À la peine de vie, L.E.C., 1947

Le Tambour de ville, L.E.C., 1948, Prix Apollinaire

L'Enfant triste, Éd. Pierre Seghers, 1955

The Ring around the world, Rapp and Carroll, Londres, 1957

La Foire à la feraille, Les Éditeurs Français Réunis, 1974, Prix de la Société des Gens de Lettres

Prose

Le Caleçon à travers les âges, Éd. Vodaine, 1966

Albums pour la jeunesse

On vous l'a dit, Éd. Robert Delpire, 1955

Pierre et le Hibou, Hachette, 1972

Qui parle de bonheur, École des Loisirs, 1977

Étude

L'humour raconté aux (grands) enfants, Éd. Enfance Heureuse, 1988

Monographie

Jean l'Anselme, aujourd'hui, Éd. Soleil Natal; Coll. Fresque d'Ecrivain, 1997.

Colloque

Jean L'Anselme. Pour de rire et pour de vrai... Actes du Colloque de l'Université d'Angers. Presses de l'Université d'Angers, 2003.

Jean L'Anselme a obtenu le Prix Apollinaire dont il a été membre du jury.

Bien sûr, il figure dans de nombreuses anthlogies, même s'il a déclaré:

« Quand une anthologie paraît, tout bon poète (ou mauvais) s'y précipite pour constater qu'on l'a oublié une fois de plus. »

Quelques textes extraits de "Con comme la Lune" 

Dans mon village on a mis

le commissariat rue de la Liberté,

le cimetière rue de l'Égalité,

l'École rue Joyeuse

et l' Avenir en impasse...

Puis, moi, rue des Félibres

près de la rue Mistral

et de la rue de Provence!

Je n'invente rien.

*** 

Quand l'amour se rouille

L' amour c'est un peu comme un col de chemise,

quand l'amidon s'en va le tissu devient mou,

piteux comme un torchon qu'on sort de la lessive

usé d'être mâché comme un caramel mou.

L'amour a le destin de ce col de chemise,

à quoi sert d'effacer l'effet des détergents,

quand il n'y a plus d'apprêt, ce n'est plus comme avant.

 
*** 

 De fièvre ou de torture

 Pour combattre la mort

faites la grève de la fin.

A tisonner le « feu »

on se retrouve en cendres.

À quoi sert de mourir,

il faut partir à point.

***  

Don d'organes

Je donne ma main à ma soeur kinésithérapeute,

je donne mes tripes à Caen,

mon cœur aux restos,

mes reins sûrs aux caniveaux.

Je donne ma tête de lard à l'art,

je donne mon foie aux morues,

mes yeux à Michèle Morgan,

mes dents à Adam

et ma langue au chat d'Ève.

Je donne mon sang impur aux microsillons.

Je donne mon cul à ma chance qui en a besoin.

Je donne mes jambes à mon cou

et mes bras autour du tien.

Je donne mon dernier souffle au bouche-à-bouche,

je donne mon pied à ma maitresse,

je donne mon âme. Adieu.

Et ce qui reste aux chiens.

 ou

COMMENT ÉCONOMISER

UN ENTERREMENT

*** 

Pendant 500 000 km, la fourgonnette 4 CV des Éditions Rougerie a sillonné les « quatre coins de l'hexagone » pour distribuer la production dans les librairies. Jean L'Anselme lui rend ainsi hommage :

LA LÉGENDE DE LA VIEILLE RENAULT

La vieille Renault de guerre revint,

portant ses tripes dedans ses mains.

Rougerie était sur le créneau

qui voit venir sa vieille Renault

Dites-moi, ma mère m'ami

que pleurent nos poètes ici?

Ils pleurent la F4 des Rougerie

qui ne quittera plus son abri.

Et pourquoi, ma mère m'ami

Pour quat' chevaux pleurer ainsi?

Parce que si s'en va l'outil

Y aura plus de livres en librairie.

Dites-moi, mère m'ami

Pourquoi j'entends cogner ici ?

Ce sont les Rougerie nez dans le moteur

asticotant les ch'vaux vapeur.

Terre entends-tu, terre que crains-tu

pour cette vieille Renault fourbue?

Que ses 500 000 au compteur

aux poètes ne portent plus bonheur.

 ***

 
POÉSIE- MODE D'EMPLOI  (extraits)

 La poésie, on ne sait pas ce que c'est, mais on la reconnaît quand on la rencontre.

 La poésie, c'est mon cousin Anicet. Sa mère disait toujours de lui en levant les yeux: « C'est un poème », en prenant le ciel à témoin et sa tête entre ses mains.

Le poète c'est quelqu'un qui se lève la nuit pour écrire. D'autres se lèvent pour d'autres raisons mais l'envie est aussi urgente.

Le poète est bien placé pour vous dire qu'entre un méconnu et un mec connu, il y a tout un monde.

Le laid n'est pas si moche, c'est pas ce qu'il y a de pis, c'est avec du laid que je fais mon beurre.

La mauvaise poésie est très utile car elle met la bonne en valeur.

Si le style fait l'homme, le style haut ne fait pas l'auteur.

Langage châtié, langage châtré.

Si vous voulez échapper au convenu, aux convenances, au compassé, aux complaisances, au compliqué, aux conventions, au conformisme, aux contraintes, écrivez « con ».

 Il faut garder au style ses saveurs naturelles. Vive le style «bio » ! Non au style ampoulé... aux hormones.